發現這個月的shopping design雜誌有瑪莎和陳建騏的對談報導，
覺得內容蠻值得咀嚼來分享一下，
雜誌的官網似乎還沒發表這篇。
文章裡有一些對話特別喜歡：
（從認識過程聊到諾亞方舟編曲）
陳建騏：我收到demo那時候詞還沒出來，不知道歌名會是「諾亞方舟」。不過光聽曲子，就有種從黑暗到光明、從糾結到舒坦的感覺，所以我才安排了後面那些弦樂。其實我給的第一版將近八分鐘，簡直是史詩般的作品，後來經過一兩次的修改，成為目前大家聽到五分多鐘的版本。編曲回到五月天那邊之後，唯一更動的就是歌曲長度，以及將弦樂放到稍後段。你們能接受那樣相對「混亂」的編曲，我到現在還是覺得很帥。
（聊到串流音樂）
瑪莎：以製作人和歌手的角度來說，靈活度其實更高了。以前受限於實體，總是要累積好十首、十二首歌，但現在，歌手可以數位發行單曲，當你認為一、兩首歌就能完整表達你的想法隨時可以發行。這完全取決於創作者要傳遞訊息時，想要透過什麼樣的厚度跟方式來傳遞。
所以，聽串流音樂真的沒什麼不好，我只有一點點擔心，大家常透過預設的播放清單來聽音樂這件事。播放清單的好處是可以聽得很廣，但因為是依據別人的選擇，很容易不精。坦白說，我還滿懷念我們小時候買唱片反覆聽，聽得很深刻，連曲序都記起來。我和你之間有聊過，專輯裡每首歌之間的pause time（暫停時間），預設是2秒左右；我們可能就會根據每首歌的情緒去細微調整pause time。在這個大家很少從頭到尾聽完一張專輯的年代，還是有這種堅持，如果有人想認真研究這張專輯到底想傳達什麼，絕對不能辜負那樣的聽眾。
（聊主流與獨立）
瑪莎：說真的，真正在做音樂的時候，根本不會去想這件事。所謂主流非主流不過是一種後設、為了迎合人們需求的標籤；客觀來說，根本不存在這樣的分野。
如果真要分，我倒覺得一名歌手是創作歌手，還是非創作歌手，對製作人來說可能還比較重要。如果是創作歌手，我想的是如何將他的創作變成一首能夠完整傳達的歌曲，比較像是在為這位歌手的作品服務。如果是非創作歌手，會更趨近由我來思考這位歌手適合唱什麼樣的歌、個性適合什麼樣的詞曲，以及我應該找誰一起來合作；同時，我可能背負更大的責任是，如何讓這位歌手的專輯賣座，延續他的音樂生命。製作人在做專輯，並不是在完成自己的夢想，而是在服務歌手的作品，這是我從李宗盛大哥身上學到的。
（聊華語音樂迷人之處）
陳建騏：歌詞是華語音樂向世界傳播的阻礙，但也正是它最迷人的地方。我一直認為韓語歌曲的策略是好的，他們在舞曲中透過簡單的韓文和英文不斷重複，比較容易記憶。但我個人比較不習慣這樣的語言表達方式，華語歌曲的歌詞總有種畫面感，而且能夠容納很多情感層次，要準確翻譯成英文太難了。
瑪莎：我從小聽華語唱片長大，可以說我的許多人生觀，都是從華語流行音樂裡聽來的。小時候聽林強、李宗盛、羅大佑、陳昇……從他們的音樂裡得到非常多。宗盛大哥曾經跟我說：「每個人在做音樂的過程中，都在尋找真理。」因為我真的喜歡音樂，不停尋找屬於自己的真理，對我來說非常迷人。
的確也像你說的，我們講求音韻，也講求詞與曲之間的和諧，更別說是詞本身承載的意涵。華語能夠透過太多種方式與技巧，表達同一個主題，假如不是在這個文化環境下長大，確實非常難理解。這也就是宗盛大哥、阿信或綺貞厲害的地方，他們寫的都是直白的詞彙，卻可以講到內心深處。